Festival de Marseille : le dur combat de la modernité

Le Festival de Marseille bataille courageusement pour faire comprendre une esthétique contemporaine là où l'on vit toujours dans la nostalgie d'un passé fantasmé.

Trois anciens danseurs de Merce Cunningham, invités séparément à se produire dans des spectacles dont ils sont les auteurs et programmés lors de ce Festival de Marseille 2010, auront donné une jolie touche d'originalité, de par cette conjonction inédite, à une programmation toujours courageusement axée sur la modernité. Courageusement ! Car s'il y a bien évidemment, dans une grande cité comme Marseille, toute une part du public avide de découvertes, le climat ambiant est plutôt porté à la stagnation, au conservatisme, voire au désintérêt total de la population pour tout ce qui touche aux arts contemporains.

Venus en éclaireurs

La compagnie de Merce Cunningham va se dissoudre dans plus d'un an, comme l'avait demandé le chorégraphe défunt. Et ces trois danseurs qui n'en font plus partie auront été invités cette année comme des éclaireurs, comme pour annoncer l'ultime tournée mondiale de la troupe qui l'an prochain passera par le Festival de Marseille. Parmi ces trois danseurs, le Genevois Frédéric Gaffner, dit Foofwa d'Imobilité, dont on n'a malheureusement pas vu le spectacle...lui qui aura été indéniablement l'un des plus éblouissants interprètes d'une troupe qui en a vu défiler beaucoup durant près de six décennies d'existence. Mais encore le Français Cédric Andrieux, qui compte lui aussi parmi les rares Européens à avoir été engagés par le chorégraphe de Westbeth. Et Jonah Bokaer, Américain, lui, mais d'origine tunisienne par son père et galloise par sa mère, francophone comme ses deux jeunes compères.

Une attention extraordinaire

Cédric Andrieux est interprète et co-auteur du spectacle qui porte son nom, lequel a été sobrement pensé et mis en scène par Jérôme Bel. On se souvient que celui-ci avait réussi un formidable pari en osant porter sur la scène de l'Opéra de Paris une danseuse, Véronique Doisneau, venue raconter au public sa vie d'artiste de l'Opéra, ses espoirs, ses joies, ses désillusions, ses amertumes. Une « confession » qui avait alors fait sensation, tant elle était éloquente, tant elle avait été conduite magistralement par son concepteur et son héroïne. Avec « Cédric Andrieux », l'effet est moins radical pour ceux qui ont déjà vu « Véronique Doisneau », mais la réussite est la même. L'univers évoqué, au Conservatoire, chez Cunningham surtout, puis au Ballet de l'Opéra de Lyon, là où a été formé, puis a dansé Cedric Andrieux, est certes moins étouffant, moins méphitique que celui du Ballet de l'Opéra de Paris et de la danse classique en général. Mais la narration du danseur, qui relate lui aussi sa vie d'interprète en l'illustrant par les exercices de la classe de Cunningham ou par des extraits de chorégraphies de celui-ci ou de Trisha Brown, n'en est pas moins savoureuse. Durant plus d'une heure, dans le public considérable venu le découvrir, l'attention a été extraordinaire. Pourquoi une écoute si exemplaire devant un exercice assez ardu et somme toute périlleux ? Grâce à la simplicité, à la sincérité du héros. Grâce à la justesse du propos. Grâce à un je ne sais quoi d'ironique, de drôle dans sa narration, à tout ce que l'on comprend aussi des difficultés à travailler l'une des écritures chorégraphiques les plus savantes, les plus complexes de l'histoire de la Danse, celle de Cunningham. Grâce à la sobriété de la mise en scène, au déroulement efficace de cette remarquable leçon de vie. Le ton bas, presque monocorde adopté par Cédric Andrieux et Jérôme Bel, a pu un moment paraître agaçant, pour être un tic fort à la mode dans les milieux chorégraphiques branchés. Il se révèle ici légitimé. « Une manière de parler, souligne justement Cédric Andrieux, qui par sa neutralité, évite d'imposer au spectateur des sensations, des sentiments qui seraient les miens, et le laisse libre d'appréhender à sa façon ce que je raconte ».  Un principe tout cunninghamien de liberté laissée au public !

Cédric Andrieux, en septembre, et en anglais, reprendra sa performance à New York, au Joyce Theater, devant le public qui, avec les Parisiens, connaît le mieux le travail de Cunningham. Elle avait été créée au Théâtre de la Ville à Paris, en automne dernier, lors de soirées données en hommage à Merce Cunningham.                

Trois cas d'amnésie

Du même Cunningham, Jonah Bokaer a tout appris et rien oublié. Mais outre le fait qu'il est un danseur magnifique, qui met en mouvement ses bras de façon magique, le langage qu'il utilise dans « Three Cases of Amnesia » (Trois cas d'amnésie) lui est éminemment personnel. A l'image d'ailleurs de Frédéric Gaffner, il a réussi à être lui-même, et non une pâle et lointaine copie du maître. Entremêlés de figures de virtuosité, de séquences de « happening » et d'images vidéos, ses trois soli consécutifs montrent un corps extrêmement délié et l'esprit agile qui lui correspond. Si ce n'est pas renversant, c'est en revanche très bien maîtrisé, beau, surprenant, séduisant. Dans une diagonale éclairée par un faisceau de lumière qui va diminuant au fur et à mesure qu'on s'approche de sa source, Jonah Bokaer se dépouille peu à peu d'une infinité de couches de vêtements jusqu'à ce que sa nudité à peine devinée se fonde dans l'obscurité. Puis, toujours (pudiquement) nu, il descend les degrés d'un escalier métallique en vidant dans sa gorge une grande bouteille d'eau. Un hommage au « Nu descendant l'escalier » de  Marcel Duchamp. L'utilisation d'un logiciel de composition chorégraphique, comme celui imaginé pour Cunningham, permet de découvrir sur écran les prouesses inhumaines que compose le logiciel. Prouesses que sur scène Jonah Boaker reproduit avec une virtuosité diabolique.

La loi des contrastes

Rien n'aura été plus curieux que de découvrir le même soir deux spectacles, les plus diamétralement opposés qui se peuvent imaginer. Celui de Paul André Fortier, « Cabane » est un « happening » programmé par le Festival de Marseille et présenté tour à tour dans différents lieux de la ville, la Vieille Charité, la Bourse ou la Friche de la Belle de Mai. L'autre, sans lien aucun avec le festival, est un spectacle traditionnel, un trio chorégraphique conçu par un danseur du Ballet national de Marseille, Julien Lestel, et présenté à l'Opéra avec le soutien financier de la ville et en présence du maire de Marseille qui, dit-on, le porte aux nues.

Un minuscule cabanon

Mettant en scène deux individus à la forte personnalité, les Canadiens Paul André Fortier (danseur et chorégraphe) et Rober (sic) Racine (musicien, plasticien, écrivain), « Cabane » s'articule autour d'un pauvre cabanon de bois de récupération où les quelques éléments qui l'entourent, vieux sommiers métalliques, trépieds servant de support à des caméras, sont détournés de leur fonction originelle : des sommiers, on tire des sons ; des trépieds, on se sert de perchoir. Dans cet univers absurde et misérable à la Samuel Beckett, les deux protagonistes se côtoient sans jamais se rencontrer. « Je viens du pays où est né le Cirque du Soleil avec ses moyens techniques et financiers hallucinants, avance Paul André Fortier. J'ai voulu, moi, créer un spectacle à partir de rien ». Un spectacle extrêmement structuré cependant, « où tout est travaillé au millimètre », où rien n'est laissé à l'improvisation, dont l'exécution requiert beaucoup de précision.

Dans « Cabane », cette cabane qui veut, bien  naïvement, évoquer un rêve d'enfance, tout paraît absurde, rien n'est rationnel. « C'est pour nous très libérateur, reprend Paul André Fortier. Et bien des spectateurs disent quitter « Cabane » dans un état de vrai bonheur ». Sans doute. Nous y sommes quant à nous restés parfaitement hermétiques. Et rien dans les propos de Paul André Fortier n'aura éclairé sa démarche. « J'ai parfois la conviction, quand je conçois un spectacle, que c'est cela que je dois faire sans pouvoir l'expliquer. Je ne tente plus de comprendre le pourquoi de mes actes. Mais cela s'explique, s'éclairera plus tard ». Peut-être que cela s'explique pour lui. Le spectateur, lui, n'a pas nécessairement cet avantage. Et « Cabane » paraît être un divertissement élaboré par de grands enfants tout contents d'être ensemble. Mais pour eux seuls.

Grands élans lyriques

Aux antipodes de ce que fait Paul André Fortier, « Anastylose » est une chorégraphie de Julien Lestel. On n'en parlerait pas si l'occasion n'avait été donnée de la voir juste avant le travail du Canadien. Mais en regard de ce que présente le Festival de Marseille (cette année  le Ballet national de Marseille de Frédéric Flamand, Jérôme Bel, Saburo Teshigawara, Christian Rizzo...), elle est intéressante parce que symptomatique d'une certaine nostalgie d'un certain public, comme de l'indécrottable passéisme du milieu de la danse classique qui peut être encore plus sot et plus étroit d'esprit que le sont les pires éléments de la mauvaise « danse contemporaine ».

« Anastylose » est un trio écrit sur une inexplicable succession de compositions de Bach, Scriabine, Schubert, Beethoven, Mozart, Chopin, Liszt, interprétées au piano et sur scène par François René Duchâble,  enfilées comme des perles, « arrangées » parfois, et qui s'achèvent en fanfare chorégraphique sur une page des « Tableaux d'une exposition » de Moussorgsky, « la Grande Porte de Kiev ». Un trio, ou plutôt un duo de garçons aimables et lisses dont la partenaire féminine fait  figure d'inutile garniture, tant il paraît évident qu'il s'agit là d'une histoire d'hommes où la femme n'est qu'un alibi pour ne point effaroucher les bien pensants.

On avait déjà vu un ouvrage du même danseur, intitulé « Ames-frères », duo masculin d'un kitsch et d'un sentimentalisme échevelés, vrai délire narcissique d'homo-érotisme.

Julien Lestel ne tombe pas ici dans les mêmes excès. Et d'une certaine façon son travail est tout à fait honnête. On veut  le croire sincère, dépourvu d'arrogance, infiniment moins prétentieux en tous cas que bien des chorégraphes au petit pied qui « font de la danse contemporaine ».  Hélas, cela ne suffit pas à justifier un travail désespérant de vacuité.

« Telenovellas »

Le problème n'est pas dans le style de danse qu'utilise Julien Lestel,  ce néo classicisme qui peut produire des merveilles pour autant qu'on ait du talent. Dans le même genre, le chorégraphe américain Lar Lubovitch avait composé un duo masculin bouleversant d'intensité. Le problème est que Julien Lestel n'a rien à dire d'intéressant et qu'en plus il le formule dans un langage totalement creux et désuet auquel on ne peut croire un seul instant. Ces grands moulinets de bras dont il abuse font sans doute quelque effet sur les innombrables jeunes filles, dames mûres, jeunes gens sensibles et vieux messieurs qui semblent l'admirer à outrance. Ce ne sont que de grands gestes impuissants qui brassent l'air étouffant de l'Opéra de Marseille, lequel ignore la climatisation en pleine canicule. On n'accablera pas davantage Julien Lestel. Mais il ne fait que raconter en  bien insignifiant ce qu'ont déjà dit des générations de chorégraphes avec plus ou moins de talent. Il n'y a rien de neuf, ni de pertinent dans ce qu'il fait. Il travaille dans un esprit de boudoir, un esprit d'avant-hier qui rassure le public rétrograde et endimanché venu l'applaudir, autorités municipales en tête. Un public qui, lui, n'a rien appris, ni rien oublié, à l'instar des émigrés de Coblence, et pour qui l'art est une cascade de grands sentiments, de larmes et de passion, comme dans les « telenovellas ».  Julien Lestel et ses partenaires sont  des artistes de « telenovellas ». 

Face à cela, on réalise combien est rude et méritant le combat permanent que mène le Festival de Marseille pour conduire cette ville vers une esthétique en accord avec son temps. Vient-on aujourd'hui en calèche ou en char à bancs à l'Opéra de Marseille ? Non. En voiture, en métro, en autobus, après être passé devant les édifices futuristes de Zaha Hadid construits sur le port de Marseille. L'art, comme les sciences et les techniques se doit d'innover, d'évoluer en phase avec son époque. Sans rien ignorer, ni mépriser du passé, en en aimant le magnifique héritage. Mais sans soupirer sans talent au moyen de formes devenues obsolètes comme les gramophones à pavillon ou les téléphones à manivelle. 

Raphaël de Gubernatis